Un ilustrador de Vancouver, Columbia Británica, utiliza gráficos vibrantes para conectar a las personas con las empresas. Es instructor en Skillshare y ofrece talleres para potenciar a los artistas y mostrar su trabajo. También trabaja como YouTuber a tiempo parcial, inspirando a ilustradores. El autor estudió ingeniería, pero más tarde se interesó por el diseño gráfico e industrial. Después de un trabajo, fueron a la escuela de arte, centrándose en el diseño, pero en última instancia, amando la ilustración. Les encanta la tipografía, las cuadrículas, los sistemas, el diseño de productos y estudiar la historia del arte y el diseño.
Soy ilustradora y vivo en Vancouver, Columbia Británica. A través de gráficos vibrantes y optimistas, conecto a las personas con las empresas. También soy una destacada instructora en Skillshare, donde ofrezco una amplia gama de talleres relacionados con la ilustración destinados a capacitar a los aspirantes a artistas, así como a aquellos que quieren impulsar sus carreras y mostrar más de su trabajo. También trabajo como YouTuber a tiempo parcial con la intención de inspirar e ilustrar a los ilustradores. Además, soy padre de dos niños impresionantes y vivaces. Ah, y últimamente me he convertido en un corredor de élite.
Estudió ingeniería informática. ¿Por qué dejó la ingeniería para dedicarse al diseño y la ilustración?
La versión resumida es que acabé matriculándome en el programa de ingeniería de un colegio comunitario. Aunque nunca creí del todo que estuviera pensado para mí, me sentí obligado a terminarlo. Durante ese tiempo, me interesé por el diseño gráfico e industrial, en el que seguí trabajando mientras terminaba la carrera.
Conseguí un trabajo cuando me licencié y, al cabo de unos años, me animé poco a poco. Tuve la impresión de que los cinco años fantaseando con ello por fin se hacían realidad. Así que fui a la escuela de arte.
¿Así que pasó más tiempo en la escuela de arte concentrándose en el diseño, pero acabó amando la ilustración?
Es cierto. Nunca había pensado en la ilustración como una posible carrera. Me encantaba el diseño, pero nunca me lo había planteado. Me gustaban mucho la tipografía, las cuadrículas y los sistemas. Además de aprender sobre diseño de productos y diseño industrial, me gustaba mucho estudiar la historia del arte y el diseño.
Fue muy divertido para mí, sobre todo desde el punto de vista de la resolución de problemas centrada en el usuario. Por eso fui a la escuela. El Nova Scotia College of Art and Design (NSCAD), mi alma mater, es una pequeña universidad multidisciplinar.
En consecuencia, muchas instituciones te limitarán, contratándote en uno de estos sectores altamente especializados, como la publicidad. Yo estudiaba artes del libro, pintura e impresión, además de tipografía y materias afines. Gracias a ello, acabé matriculándome en una clase de tipografía dirigida por diseñadores y artistas. Trabajaban en un pequeño estudio de Halifax, pero también producían publicaciones y realizaban proyectos para empresas muy conocidas, como Urban Outfitters. Para The New York Times y otros periódicos, proporcionan imágenes.
Vi el diseño y la ilustración como aspectos del trabajo mientras era becario allí. Ya lo has completado todo. Allí llegué a comprender que la ilustración era un componente del trabajo que hacían los diseñadores, y llevé esa comprensión a mi carrera posterior a la universidad.
Al final llegué a la conclusión de que quería centrarme sólo en la ilustración, ya que me resultaba más natural. El ritmo era excelente. Las tareas eran a menudo más cortas, y me gustaba cómo la expresividad y los elementos más íntimos se parecían más a mí. Así que cuando poco a poco fui comprendiendo esto de mí misma, empecé a buscar consejos sobre cómo hacerlo, a encontrarlos, y luego simplemente a hacerlo.
Admiro cómo descubriste tu amor por el arte. Por favor, acepta mis disculpas por lo que puede sonar a acoso, pero mientras investigaba y buscaba información sobre ti, vi que tenías tendencia a vacilar en entrevistas anteriores sobre tu trabajo. alternando entre trabajo a tiempo completo y freelance.
Al menos desde mi punto de vista, es un viaje apasionante. ¿Puede describir cómo pasó de tener un trabajo fijo a trabajar por cuenta propia y viceversa?
Sí, por supuesto. Empezaré con mi primera graduación en la escuela de diseño. Tuve la suerte de conseguir un trabajo como director artístico en una pequeña empresa de diseño de Vancouver. Trabajar allí fue una gran experiencia. Adquirí muchos conocimientos, pero desde el principio tomé la decisión de que no trabajaría allí más de dos años, independientemente de la situación o del valor del trabajo. Creía que cuando las personas se sienten demasiado cómodas, pierden su creatividad y se vuelven complacientes, y yo no quería que eso ocurriera.
Esto no era lo que quería para mí. Me he dado cuenta de que, para sentirme inspirada, activa y animada por dentro, tengo que quedarme en un sitio el tiempo suficiente para crecer, aprender y contribuir, pero luego marcharme una vez que ese ciclo ha terminado.
Después de dos años, dejé mi primer trabajo, y fue una experiencia tan desafiante. Como lo dejé en verano, decidí probar a trabajar por mi cuenta a ver qué tal me iba. El hecho de que fuera tan mediocre fue decepcionante. Durante el verano, hice algunos trabajos esporádicos, pero sólo conseguí ganar $1.000, lo que sabía que no era suficiente.
Sí. ¿Trabajaste para la agencia y como freelance al mismo tiempo?
No. Aunque tuve varios trabajos, en el que estaba había una cláusula de no competencia. Mi capacidad para aceptar más trabajo estaba prácticamente prohibida, ya que hacerlo habría creado un "conflicto de intereses", supongo. Algunas empresas no lo soportan.
No obstante, había hecho algunos proyectos de edición y tenía varias relaciones, así que era optimista y pensaba que podría hacerlo funcionar. Sin embargo, era una oportunidad a ciegas. Como mi mujer tenía un buen trabajo de verano y traía los siclos a casa, tuve suerte de poder intentarlo.
Me dediqué a lo mío, lo que no fue un buen augurio, sobre todo teniendo en cuenta que mi mujer estaba embarazada por aquel entonces, y luego pensé: "Tengo que volver al trabajo".
Tras terminar mi primer verano como autónoma, me contrataron como diseñadora en un estudio local.
Para abreviar, allí no encajaba bien. No me sentía a gusto allí y saqué lo peor de mí, así que me fui y empecé a trabajar por contrato para agencias grandes y pequeñas de Vancouver. Era adecuado, excelente, y me encantaba. Al final conseguí un puesto como director de diseño a tiempo completo en una empresa de publicidad, pero después de sólo unos meses allí, seguí teniendo dificultades.
Entonces comprendí que tendría que triunfar por mi cuenta si quería prosperar en el sector creativo. Necesito manejar todo por mi cuenta porque tengo un punto de vista y una visión muy fuertes.
Cosas como la forma de relacionarme con los clientes, mi posición, su papel y lo que se nos permite dentro de un proyecto deben funcionar.
Tras ese empleo, me independicé por segunda vez. Empecé como diseñadora, pero poco a poco fui orientando mi cartera hacia la ilustración hasta que empecé a recibir más trabajos de ilustración. En ese momento, tuve suficiente trabajo para poder dar el salto de nuevo.
¿Cree que el impulso que tenía antes de hacer el segundo esfuerzo le ayudó a tener éxito?
100%. No fue un salto masivo porque necesitaba ese impulso, así que no lo parecía. Realmente hablo del gran salto al freelancing como un mito. Experimentarás mi primer escenario si haces eso-saltar al freelancing sin estar preparado-especialmente si no tienes un plan. También tendrás menos probabilidades de coger impulso y tener éxito.
Como resultado, el tren ya había salido de la estación y el impulso ya había comenzado. Cuando renuncié a mi puesto de director de diseño, simplemente me subí al tren en marcha.
Lanzarse sin una estrategia puede funcionar para algunas personas, pero creo que si eso es lo que esperas, te sentirás mucho más frustrado y perjudicado que si tuvieras un plan o un planteamiento estratégico. Independientemente de que tengas un plan, es aceptable fracasar la primera vez. Te enseñará algo.
Pero la clave está en la iteración. Ganarás con todo lo que hagas si te das la oportunidad de aprender de ello y evitas desanimarte por ello.
Me considero un diseñador de marcas y un artista, y esas son las dos disciplinas en las que trabajo. En entrevistas anteriores se ha descrito a sí mismo como "artista comercial", un término muy popular en nuestro sector.
¿Podría explicar qué es un artista comercial y por qué cree que le describe tan bien?
Puede que en el pasado me haya descrito como "artista comercial", pero hoy en día prefiero la etiqueta "ilustrador". La expresión "artista comercial" es la forma más directa y veraz de describir lo que hago.
No hago arte por otra razón que no sea cobrar, y si tuviera libertad y recursos ilimitados, tampoco haría nada.
Así que, y estoy siendo un poco sarcástico, pero mis obras de arte no tienen ningún significado fuera del entorno empresarial en el que fueron creadas, mis obras de arte no tienen ningún propósito. No puedo concebir por qué alguien querría exponer en su casa un dibujo que yo creé para esta situación concreta, en este cliente, en este momento exacto, lo cual es una de las razones por las que no vendo muchas copias.
Aunque he producido algunos grabados, la expresión "artista comercial" describe mejor lo que hago: Produzco arte para clientes de pago con fines comerciales, empresariales, etc.
¿Cómo se le ocurren nuevas ideas gráficas para su propio trabajo y el de sus clientes?
Cuando trabajas como diseñador o artista independiente, con frecuencia te encuentras con nuevos temas, retos y escenarios. Por eso, la mayoría de mis ideas surgen de los problemas que intento resolver.
Por lo tanto, los estímulos externos del cliente siempre son lo primero, y luego intento salir de mis paradigmas y pensamientos poco originales para descubrir formas de comunicar algo significativo en mi trabajo con el cliente.
Utilizo un procedimiento que consiste en una serie de pasos que me engañan para que se me ocurran ideas más importantes de las que se me habrían ocurrido de otro modo.
Las dos cosas que me ayudan a sumergirme en el tema son la investigación y el descubrimiento, así como el dibujo rápido e iterativo, que son dos de los muchos componentes de mi método.
No se me exige que sea una autoridad. Sólo necesito un poco más de información de la que tenía antes. El siguiente paso es decidir qué elementos del tema me interesan.
Esto es muy importante porque enseguida hay un punto de vista, y tengo este paso en el proceso -bocetos rápidos o prototipos rápidos- cuando empiezo a dibujar conceptos novedosos.
Para mí, sólo existe el proceso; no existen los conceptos. Si eso tiene sentido, uno toma decisiones a lo largo del camino en función de lo que observa y de los conceptos que le vienen a la mente, como si fueran bienes de segunda mano.
¿Sólo utiliza su propio estilo a la hora de trabajar, o de vez en cuando acepta proyectos con estilos diferentes?
Cuando recibo una solicitud de un nuevo cliente, una de las primeras cosas que hago es hacerles una serie de preguntas para saber más sobre quién creen que soy y lo que hago. Por ejemplo, puedo animarles a pasar por mi Instagram o portafolio para ver ejemplos de mi trabajo que les inspiró y lo que les llevó a mí, es el diseño web milagro de búsqueda.
Si no lo habían pensado antes, esto les hace pensarlo al instante. Pero lo más probable es que ya lo hayan pensado y tengan muestras de mi trabajo que aprecien.
Lo peor para mí sería que me presentaran las ilustraciones de otra persona y me dijeran: "Queremos algo así", a lo que yo respondería: "No, gracias".
No quiero trabajar con alguien que quiera imitar mi estilo, que haga suposiciones, que piense que ya sabe lo que quiere o que tenga nociones predeterminadas sobre lo que quiere.
Aunque siento que he trabajado mucho para llegar al punto en el que puedo decir que este es el trabajo que hago y esta es mi variedad de estilo, antes lo hacía un poco más. Es obvio que trabajo de esta manera concreta, lo que no hace sino ayudar. Cada vez que he intentado desviarme de eso, los proyectos han sido bastante incómodos, ya que el proceso es mucho más fluido.
¿Cómo gestiona el agotamiento o el bloqueo creativo?
Correr todos los días me proporciona algo en lo que centrarme y por lo que esforzarme que no está relacionado con mi trabajo. Así me marco una carrera y un objetivo, y tengo una estrategia para alcanzarlos.
Puedes pensar con más claridad después de hacer ejercicio, elevar tu ritmo cardíaco e implicar a tu cuerpo. Tener una vida diversa es ventajoso si estás en medio de un proyecto y te sientes agotado, ya que dedicar demasiado tiempo a un solo tipo de actividad a menudo puede conducir al agotamiento.
En mi opinión, tienes que ser testarudo y hacer todo lo posible por superar la ira. Te cansarías si tuvieras que seguir haciendo esto, y necesitarías modificar algo.
Mi método creativo riguroso y constante es mi remedio tanto para el bloqueo creativo como para el cansancio.
La segunda es que creo intencionadamente las condiciones en mi planteamiento que fomentan la resolución creativa de problemas porque soy consciente de ellas.
Cuando le diste 50 variantes de logotipo a un cliente en tu episodio sobre el agotamiento y te respondió con un "No, no, no, no", te enfadaste, que es la receta exacta para el agotamiento.
No es que no se te ocurran un montón de ideas; simplemente no se las revelas a un cliente porque le estás haciendo sentir incómodo al obligarle a tomar una decisión.
Por otro lado, tienes que ser capaz de dirigir el barco y aconsejar sobre lo que sería más eficaz.
Esto me recuerda a lo que Steve Jobs le dijo a Paul Rand mientras trabajaban en la marca NEXT: "¿Cuándo podré ver algunas alternativas?" Rand respondió: "¿Alternativas? "No, arreglaré el asunto y me pagarás".
Paul Rand no era una estrella del rock, pero en general es la forma en que mantengo encaminadas las empresas creativas, su calibre, sus resultados y su método. No voy por ahí presumiendo de él.
Así que una gran manera de evitar el agotamiento es controlar el proceso de una manera que me establece como una guía autorizada para el proceso creativo y no dar tanto, abriendo esa puerta para mis clientes. Como persona creativa, no tienes que volverte loco y mostrar un montón de opciones, no tienes que abrir esa puerta. En lugar de eso, hay que mostrar unas pocas, las suficientes para que la gente se sienta incluida en el proceso y en la toma de decisiones.
¿Qué tres consejos daría a los artistas en ciernes que intentan abrirse camino en el mundo de la ilustración y el diseño?
No necesitas cumplir ningún requisito o criterio para empezar a aprender ilustración o incluso para llamarte a ti mismo ilustrador o artista. Haz lo que quieras. Si aprecias lo que haces, tienes permiso para dedicarte a ello.
No hay obstáculos para perseguir tus pasiones.
Debes estar lo suficientemente interesado en el tema como para estudiarlo y esforzarte por comprenderlo si quieres tener éxito.
Creo que mucha gente no se interesa lo suficiente. Primero deberían averiguar quién hace el tipo de trabajo que les gusta, dónde está y quién lo produce. ¿Escriben libros, conceden entrevistas, tienen un canal de YouTube o son activos en otras redes sociales como Instagram?
Tengo un puñado de libros de Paul Rand, y sus puntos de vista sobre el diseño han afectado significativamente a mis creencias sobre el proceso creativo, por citar sólo un ejemplo de cómo ha cambiado toda mi perspectiva.
Cuando empecé a interesarme por la ilustración y el diseño, visité librerías, bibliotecas y galerías de arte para aprender todo lo que pudiera.
Entonces, debes aplicar esta devoción a tu ética de trabajo, lo que incluye probar cosas nuevas, fracasar, estar abierto a la vulnerabilidad y matricularte en cursos.
En tercer lugar, deja de poner excusas y empieza a aprovechar las posibilidades de inmediato.
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